Начнём, пожалуй.
Итак, сегодня 13 сентября на форуме АГ произошло знаменательное событие - классическая музыка наконец-то получила свой собственный раздел. И в этот же день, но только 290 лет назад в городе Дрездене произошло ещё одно знаменательное событие. Тогда, в салоне графа Флеминга должно было состояться состязание в исполнительском мастерстве между Иоганном Себастьяном Бахом и французским музыкантом-виртуозом Луи Маршаном. Состязание, однако, не состоялось. Маршан, за некоторое время до этого прослушав игру Баха на органе в церкви, разуверился в своих силах и тайно покинул город. Тем самым, хвалёный французский виртуоз остался в памяти многих любителей музыки во многом лишь благодаря этому курьёзному случаю.

Сегодня, 16 сентября, исполняется ровно 30 лет со дня смерти Марии Каллас - греческой певицы (сопрано). Каллас - выдающаяся представительница вокального искусства 20 века ярко выраженного романтического исполнительского стиля, обладала исключительным артистизмом, мастерством бельканто. Среди её партий: Медея ("Медея" Керубини), Лючия ("Лючия ди Ламмермур" Доницетти), Анна Болейн ("Анна Болейн" Доницетти), Норма ("Норма" Беллини), Амина ("Сомнамбула" Беллини), Имогена ("Пират" Беллини), Виолетта ("Травиата" Верди), Тоска ("Тоска" Пуччини), Чио-чио-сан ("Чио-чио-сан" Пуччини).

Интересное мнение относительно неординарности дарования Каллас:

Карьера Марии Каллас была короткой, но блистательной. "Если бы она хоть немного умела халтурить, она пела бы гораздо дольше", - грустно и, вместе с тем, гордо заметила её педагог по вокалу Эльвира Идальго. - "Но Мария была свечой, зажжённой с обеих сторон".
Кроме фанатов, всю жизнь певицу сопровождали и недоброжелатели, возражения которых лишь подтверждали уникальность её таланта. Вот типичный пример дискуссии:
- Вся концепция Каллас совершенно ошибочна. Слишком много напряжения, она "переигрывает", голос звучит неровно. Вы бы послушали Тоти даль Монте - совсем другое дело! Правда, актриса она была никакая, да и красотой не блистала. Но, когда вы закрывали глаза - какой голос, какое в нём обаяние, какая прелесть! У Каллас даже намёка на это нет.
- А вы не пробовали слушать Каллас с закрытыми глазами?
- Вы смеётесь? Как же можно закрыть глаза, когда эта женщина на сцене?!
"Почему Мария Каллас несравненно более знаменита, чем все нынешние оперные актёры?" - спросили однажды дирижёра Ла Скала Тулио Серафина.
"Потому что она - Мария Каллас", - ответил Маэстро.

Сегодня в 21.30 на телеканале "Культура" смотрите документальный фильм "Абсолютная Мария Каллас", посвящённый творчеству певицы.

Сегодня, 20 сентября, исполняется ровно 50 лет со дня смерти Яна Сибелиуса - финского композитора и педагога. Именно в этот день в посёлке Ярвенпяя, на берегу живописного озера Туусула закончил свой жизненный путь этот великий художник Финляндии, один из самых крупных композиторов прошлого века. Здесь, на берегу озера, провёл он пятьдесят три года. Он избрал это уединённое место ради тишины, оттеняемой только голосами природы, ради постоянного общения с нею. Здесь он размышлял о жизни и о смерти, об исторических судьбах своей Суоми, о суровой, величавой красоте и тихих задумчивых пейзажах "страны тысячи озёр".
__________
Энтелис Л. А. Силуэты композиторов XX века. Л., 1975, с. 88.

Лично для меня Сибелиус, наряду с Вагнером, симфонист номер один. Эта нордическая строгость, совмещённая с непосредственностью и искренностью музыкального языка. А его симфонии... Патриотические Первая и Вторая, "бесконфликтная" и статичная Третья, импрессионистичная Четвёртая, величественная Пятая, мрачная Шестая, и наконец величавая, красочная, полная оптимизма Седьмая! А кроме того - "Куллерво", симфонические поэмы, концерт для скрипки, струнный квартет... Нет другого такого композитора (кроме Вагнера и Шнитке), чьё творческое наследие мне бы нравилось почти целиком, без остатка.



Памятник Яну Сибелиусу в Хельсинки

23 сентября, ровно 230 лет назад в истории оперы произошло одно чрезвычайно важное и знаковое событие. Именно в этот день в 1777 году в парижском "Гранд-Опера" с оглушительным успехом прошла постановка оперы "Армида" Кристофа Виллибальда Глюка, ставшей своеобразным вызовом пиччинистам - консервативным приверженцам старой французской оперы, своего рода нокдауном, резко поколебавшим их позиции. А непосредственно нокаут состоялся уже спустя каких-то два года: не менее оглушительный успех оперы "Ифигения в Тавриде" нанёс консерваторам решающий удар, а сам Никколо Пиччини признал музыкальную революцию Глюка свершившейся.
Начиная с этого времени, оперное искусство стало развиваться совсем по другим законам. Яркие оркестровые речитативы-accompagnato пришли на смену речитативам-secco, более важное значение приобрели хоровые и балетные номера, а главное - вместо номерной структуры ария-речитатив появилась сквозная драматургическая композиция, где одна тема плавно перетекает в другую. Всё это оказало существенное влияние на таких столпов оперного искусства как Керубини, Спонтини, Берлиоз, Мусоргский и конечно же, Вагнер.

И в этот же самый день, в этот же самый 1777 год, когда парижский "Гранд-Опера" сотрясался под бушующими овациями, из маленького австрийского городка Зальцбурга, уволившись со службы у архиепископа, отправился в Париж мало кому тогда ещё известный Вольфганг Амадей Моцарт вместе со своей матерью. По пути, в Мангейме, будущему австрийскому гению приспичило влюбиться в некую певицу Алоизию Вебер. Как следует влюбиться в певицу Моцарту мешала его же собственная мать. Отправив её обратно в Зальцбург, весёлый и жизнелюбивый паренёк Вольфганг Амадей втайне от отца совершил со своей пассией небольшое турне ко двору принцессы Нассау-Вайльбургской. Спустя год поездка в Париж всё же состоялась, однако была для Моцарта несчастливой: в Париже умерла его мать, а на королевском дворе к нему уже не проявляли былого интереса. Уехав из Франции в Мангейм, он в довершение всех своих бед узнал, что и Алоизия потеряла к нему всякий интерес. В 1779 году, разбитый и расстроенный, Моцарт вернулся в Зальцбург и устроился органистом, сочиняя по большей части церковную музыку.

Сегодня, 25 сентября, исполняется ровно 80 лет со дня рождения Колина Дейвиса - английского дирижёра и кларнетиста. В разное время Дейвис дирижировал оперной труппой в Челси, Шотландским национальным оркестром Би-Би-Си (Глазго), оркестром театра "Сэдлерс-Уэллс" в Лондоне, оркестром театра "Метрополитен-опера" в Нью-Йорке, симфоническим оркестром Би-Би-Си и оркестром театра "Ковент-Гарден" в Лондоне. Дейвис широко известен своими интерпретациями сочинений Г. Берлиоза, Р. Вагнера, И. Брамса, Я. Сибелиуса, И. Ф. Стравинского, М. Типпета.

101 год назад, 25ого сентября 1906ого года, родился Д.Д. Шостакович. Ура, товарищи!

Оркестр "Musica Aeterna" представил концерт памяти Марии Каллас

Вчера вечером, 25 сентября, в Афинах прошёл гала-концерт "В созвездии Марии Каллас", посвящённый памяти великой оперной певицы.

Концерт прошёл в античном театре Герода Аттика у подножия Акрополя, где в своё время блистала сама Каллас. Трёхчасовую программу представили дирижёр Теодор Курентзис и руководимый им российский оркестр "Musica Aeterna".

В исполнении солисток Веселины Касаровой и Симоны Кермес прозвучали арии из опер композиторов Генделя, Моцарта, Глюка, Вивальди, Бизе, Пёрселла и Гуно.

Собравшиеся в театре жители Афин, в числе которых был президент Греции Каролос Папульяс, тепло приветствовали произведения композитора эпохи барокко Жана Филиппа Рамо, а также Петра Чайковского в дирижёрской трактовке Теодора Курентзиса.

Концерт был посвящён тридцатилетию со дня смерти великой оперной певицы, а его сборы пойдут в фонд строительства в Афинах оперного театра и музыкальной академии имени Марии Каллас.

"Выбор репертуара сознательно не отсылает слушателя к ролям, которые пела сама Каллас. Напротив, мы хотели подчеркнуть те измерения, которые отделяли её от коллег по оперному искусству", - заявила устроительница концерта Васо Папантониу.

2007 год объявлен в Греции годом Марии Каллас - наиболее известной гречанки XX века.

Алексей Богдановский
РИА Новости

"Очарованный странник" Родион Щедрин

Фестиваль, посвящённый 75-летию выдающегося современного композитора Родиона Щедрина, откроется московской премьерой его оперы "Очарованный странник". По словам самого юбиляра, он впервые обратился к произведениям Николая Лескова. Композитор признался, что питает особую любовь к творчеству писателя, которое "особенно актуально сегодня". "Каждое лесковское слово для меня - золото", - подчеркнул Родион Щедрин. Открытие смотра состоится 30 сентября в концертном зале имени Чайковского. По словам директора столичной филармонии Алексея Шалашова, "в Москве оперу "Очарованный странник" ещё не исполняли и, несомненно, это станет подарком к юбилею Родиона Константиновича". Также в фестивальной афише - сочинения Родиона Константиновича, связанные с именами его друзей и близких: симфонические этюды "Диалоги с Шостаковичем", концертная притча "Parabola concertante", посвящёная Мстиславу Ростроповичу. Исполнять произведения композитора будут пианист Денис Мацуев, альтист Юрий Башмет, Большой симфонический оркестр имени Чайковского и Российский национальный оркестр.

Впервые опера, написанная Родионом Щедриным по заказу Нью-Йоркской филармонии, прозвучала в Нью-Йорке в 2002 году. А в России "Очарованного странника" услышали только в июле этого года в Санкт-Петербурге, в исполнении Мариинского театра под руководством Валерия Гергиева. Этот же прославленный коллектив исполнит оперу и в столице России.

Век

как так, впервые -- а "запечатленный ангел" не в счет что ли?

Сегодня, 30 сентября, исполняется ровно 70 лет со дня рождения Валентина Васильевича Сильвестрова - советского и украинского композитора. Среди его сочинений: симфония "Exegi monumentum..." для баритона и оркестра (на стихи А. С. Пушкина, 1987), "Монодия" для фортепиано с оркестром (1965), "Медитация" для виолончели с оркестром (1972), "Спектры" для камерного оркестра (1965), "Мистерия" для флейты и ударных (1964), "Лесная музыка" для сопрано, валторны и фортепиано (1978) и др.

Вот отрывок из интервью, данного Сильвестровым около года назад украинскому периодическому изданию "Зеркало недели".

- Валентин Васильевич, серьёзная музыка нынче, как говорится, в загоне. Чем Вы объясняете такое положение дел?

- У нас регулярно сообщают в прессе о лауреатах престижных премий в области литературы, а о музыкантах - молчат, пишут разве что об этих молодых ребятах с "электролопатами"... На самом деле мир переполнен музыкальными фестивалями, и не только джазом и попсой. В мире серьёзной музыки есть свои герои, там совсем другая жизнь. Сегодня молодёжь думает, что симфонии писал только Бетховен, и ей это скучно. А между тем люди продолжают сочинять симфонии и другие крупные музыкальные произведения. Как и в литературе: ведь романы не перестали писать после Толстого и Достоевского. Серьёзная линия в искусстве продолжается...

- Два года назад (в 2004 - И. Д.) Вы были удостоены ордена "За интеллектуальную отвагу". Расскажите, что именно имелось ввиду?

- Никакой особо отваги я за собой не замечал. Сижу на кухне, спокойно делаю своё дело. Меня уговорили принять награду, и я согласился с оговоркой: чтобы вручение проходило в рамках моего концерта на фестивале "Контрасты" во Львовской консерватории, т.е. в рабочем порядке. Вместо "нобелевской" речи я сыграл свою "Колыбельную". Что касается моего мужества, то, очевидно, имелись ввиду события 1970 года, когда я с несколькими коллегами был исключён из Союза композиторов. Предыстория такова: в 60-х годах возникла группа киевского авангарда, в которую входили дирижёр Игорь Блажков, музыканты Леонид Грабовский, Виталий Годзянский, Владимир Загорцев, Владимир Губа, Святослав Крутиков, Пётр Саволкин и младшее поколение - Иван Карабиц, Евгений Станкович, Олег Кива. Это было целое движение новой музыки, которое "наверху" не поощрялось. В то время исключение из Союза можно было сравнить с удушением, нам перекрыли все каналы кислорода. Восстановили нас только через три года, когда мы написали письмо лауреатам Ленинской премии Шостаковичу, Кара-Караеу и Хачатуряну о том, что с нами делают...

- Где Вам лучше пишется - на Западе или в собственной мастерской?

- На Западе я живу месяц-другой, как цветок, которые переставили с одного подоконника на другой - и он уже завял. Возвращаюсь - и всё оживает, радуется, даже стены "виляют хвостами". В этом смысл путешествий. На Западе я просто сижу в четырёх стенах или хожу в гости, а пишу совсем мало.

- Как живётся композиторам за рубежом, особенно нашим?

- К "нашим" я отношу Гию Канчели и Арво Пярта, с которыми общаюсь, бываю у них в гостях. Они внедрены в западную музыкальную систему, пишут по заказу и, видимо, получают большие деньги. Ведь и расходы там немалые - нужно содержать дом, платить страховки. Вероятно, у "раскрученных" композиторов есть свои менеджеры, но у Арво Пярта, например, нет, у него делами занимается жена-музыковед.

Такие, как я, не находятся в "свободном плавании", а преподают, пишут на заказ. То, что у нас называется системой домов творчества, у них имеет вид стипендий - это может быть квартира или дом, возможно, даже в специальных зонах для творческих людей. Наша молодёжь стремится попасть в эту систему: если раз попадёшь, то так и будешь жить - со стипендии на стипендию, во всяком случае, в Германии. Там много музыкантов нового поколения из Украины, есть свои "тусовки", знакомства. Но в серьёзный музыкальный бизнес так просто не пробьёшься, нужно там жить.

На Западе есть гильдии композиторов. Музыканты держатся вокруг специальных издательств и студий грамзаписи. С коренными западными композиторами я не общаюсь - мешает языковой барьер. Их "круг" и "наш круг" - это совершенно разные вещи.

- Согласны ли Вы с утверждением, что талант - это своего рода болезнь?

- Абсолютно не согласен, наоборот, болезнь - это бездарность. Как правило, все дети талантливы, а потом их "задавливают". Талант и гениальность - это норма. Бывает, конечно, что они проявляются в результате стресса, травмы, заболевания, которые разрушают "задавленность" и человек возвращается к своему нормальному состоянию.

- Как Вам удалось сохранить норму - талант, - став взрослым?

- Может быть, потому что у меня он поздно проявился: я начал заниматься музыкой, когда мне было уже 15 лет. Увидев, что мне на грузовике везут пианино "Красный Октябрь" (это был 1952 год), я бы уверен, что сразу же сяду и буду играть, как в кино. Подождав, пока все ушли из дома, я сел за фортепиано и понял, что чуда не получилось. Начал заниматься с частным учителем и сразу же сочинять какие-то вальсы. Закончив школу с золотой медалью, я поступил в строительный институт, и уже потом мои друзья по футболу, которые были студентами музучилища, пригласили меня в студенческий композиторский клуб. Педагоги сразу же ухватились за меня и перевели с третьего курса строительного факультета на первый курс консерватории без экзаменов, поскольку никаких знаний у меня не было.

- В Вашей музыке сквозит необыкновенная печаль. Это постоянное душевное состояние?

- Музыка - такой вид искусства, что если нет оттенка печали или сквозящей грусти, то нет и музыки. Причём печаль может быть разная - тёмная или светлая. Само занятие музыкой - свойство лирического поэта. Грусть не оттого, что тяжёлая жизнь, а потому, что музыка - это как ускользающая красота. Все мы, кто живёт на этом свете, вроде бы и радостные, но недолговечные. Остаётся только музыка.

Есть знаменитая картина Дюрера "Меланхолия" встреча частного (души) с Вечностью. Когда они встречаются и душа осознаёт это, она вспыхивает. Такая реакция и есть меланхолия, осознание того, что ты стоишь перед бесконечностью. Она порождает мысль о том, что ты - мыслящий тростник и существуешь в этом мире мгновение...

Когда человек страдает, с его души слетает какая-то кора и душа обнажается, оживает, поскольку в обычное время она "заасфальтирована" рутиной. Нужно землетрясение, чтобы увидеть мир таким, какой он есть. Но всё время жить с таким чувством невозможно...

7 октября, ровно 90 лет назад, состоялось последнее публичное выступление Клода Дебюсси. Вместе с 25-летним скрипачом Гастоном Пуле великий французский композитор исполнил свою единственную сонату для скрипки и фортепиано, написанную в том же 1917 году. Спустя некоторое время, в марте 1918 года после второй неудачной операции Дебюсси не станет...

11 октября, ровно 60 лет назад, в зале Ленинградской филармонии под управлением дирижёра Евгения Мравинского состоялось первое исполнение Шестой симфонии Сергея Сергеевича Прокофьева.
1947-й по праву считают годом взлёта творческой активности выдающегося советского композитора. Во многом это было связано со временным улучшением состояния здоровья Прокофьева в результате почти безвыездного пребывания на загородной даче в посёлке Николина Гора, куда композитор вынужден был переехать после тяжёлого приступа гипертонии.

15 октября, ровно 170 лет назад, возлюбленная Роберта Шумана, одарённая пианистка Клара Вик, отправилась в очередное турне по городам Европы (Дрезден, Прага, Вена). Влюблённые, втайне от отца Клары, не желавшего развития их отношений, продолжали поддерживать переписку.
Отношения Шумана с Вик составляют особую, весьма значимую страницу в жизненной и творческой биографии знаменитого немецкого композитора. Фридрих Вик, отец и учитель Клары, опасавшийся материальной необеспеченности Шумана, дал согласие на их брак лишь после решения суда, которое вступило в силу в 1840 году. И именно с этого периода начинается подъём творческих сил композитора. Например, за счастливый 1840 года Шуманом было сочинено около 140 произведений для голоса и фортепиано, в т.ч. циклы "Круг песен" (на слова Г. Гейне и Й. Эйхендорфа), "Любовь и жизнь женщины" (на слова А. Шамиссо) и "Любовь поэта" (на слова Г. Гейне).
Супруги прожили в счастливом браке 16 лет. В 1856 году, после повторного обострения душевной болезни, Шумана не стало. Клара, оставшись одна с 8 детьми, пережила своего мужа на 40 лет и умерла в 1896 году, так и не выйдя повторно замуж.

Одно из писем Роберта Шумана Кларе Вик:

Ночь под новый год 1837, после 11 ч.

Целый час сижу здесь. Хотел было писать тебе весь вечер, но нет слов - сядь подле меня, обхвати меня твоей рукой, дай мне ещё раз заглянуть в твои глаза - тихо, блаженно.
Двое во вселенной любят друг друга.
Бьёт три четверти.
Люди вдали поют хорал; знаешь ли ты тех двоих, что любят друг друга! Приди, моя Клара, я чувствую тебя... Наше последнее слово Всевышнему...

В 1887 году Иоганнес Брамс и Клара Шуман (урожд. Вик) договорились вернуть друг другу свои письма, с тем чтобы их уничтожить.
А 16 октября, ровно 120 лет назад, в дневнике Клары появилась следующая запись: "16 октября здесь был проездом Брамс... У меня состоялся с ним разговор о том, чтобы вернуть ему его письма, что для меня очень тяжело... Ныне он отдал мне мои, и я должна по справедливости отдать ему его... Я хотела извлечь из его писем всё, что касается его жизни как художника и как человека, ибо в них вырисовывается настолько всеобъемлющая картина его жизни и творчества, какую только может пожелать его биограф. Я хотела всё это собрать и лишь потом передать ему письма для уничтожения, но он не согласился, и сегодня я со слезами на глазах вернула их ему". На самом деле в тот раз ей удалось всё же мольбами и лестью выманить у него часть писем, которые благодаря этому сохранились. Все остальные Брамс утопил в Рейне. Клара же сожгла лишь часть своих писем. "К счастью, - пишет её дочь Мария, - я застала её в момент их уничтожения. И она уступила моим настоятельным просьбам сохранить эти письма для нас, её детей". Тем не менее всё, что дошло до нас из переписки обоих, подверглось цензуре Клары, причём все её письма, написанные до 1858 года, были уничтожены.
До сих пор остаётся неясным, до какой стадии зашли отношения Иоганнеса Брамса и Клары Шуман, но факт остаётся фактом: взаимная симпатия между ними была. Любопытно, что в июле 1854 года, спустя каких-то пять месяцев после неудачной попытки самоубийства мужа Клары - уже полностью находившегося во власти душевной болезни Роберта Шумана, Брамс написал Иоахиму (скрипач, впервые исполнивший его Двойной концерт) письмо следующего содержания: "Я думаю, что уважаю и почитаю её всё же ничуть не меньше, чем люблю, чем влюблён в неё. Нередко я едва удерживаюсь, чтобы просто не обнять её и даже... - не знаю, мне представляется это столь естественным, что кажется, она бы не обиделась. Думаю, я никогда уже не смогу полюбить какую-нибудь девушку, о девушках я, во всяком случае забыл: они лишь обещают показать нам те небесные выси, которые Клара показывает открыто". А в 1856 году, незадолго до смерти Шумана, Брамсом было отправлено вот такое письмо: "Моя милая Клара, как хотелось бы мне суметь написать тебе, как нежно я тебя люблю, как хотелось бы сделать столько добра, столько приятного и хорошего, сколько я тебе желаю! Ты так бесконечно дорога мне, что я просто не в силах высказать это. Неустанно мог бы я говорить тебе - любимая и всё прочее и ненасытно льстить тебе..." И это при живом-то муже!
Подобные письма могут говорить только об одном: муж Клары - Роберт Шуман, вследствие обострения уже упоминавшейся душевной болезни, окончательно потерял связь с реальностью и доставлял своей жене одни только заботы, не вызывая в своей жене уже никакого другого чувства, кроме разве что жалости. И вот здесь внимание и забота Иоганнеса Брамса оказались как нельзя кстати.
Однако сразу после смерти Роберта Шумана в 1856 году они расстались. Расстались после двух лет, проведённых поблизости друг от друга, в тесном, почти каждодневном общении. Об обстоятельствах этой разлуки не сохранилось никаких документальных свидетельств, позволяющих делать какие-либо определённые выводы. Со стороны разлука выглядела как обоюдное бегство; но что конкретно явилось его причиной - остаётся только гадать. Брамс вернулся в Гамбург, а Клара переехала в Берлин. Брамс навсегда остался для Клары самым дорогим человеком на свете, а она для него - доброй и заботливой советчицей.
__________
Галь Г. Брамс. Вагнер. Верди. Три мастера - три мира. М., 1986, с. 77-79.

17 октября, ровно 300 лет назад, в жизни Иоганна Себастьяна Баха произошло чрезвычайно важное событие. Именно в этот день прославленный немецкий композитор женился на Марии Барбаре, приходившейся ему троюродной сестрой. От этого брака родилось семеро детей, из которых выжило четверо, а известными музыкантами стало трое: Вильгельм Фридеман, Карл Филипп Эмануэль и Иоганн Готфрид Бернгард.
В 1720 году Марии Барбары не стало. Бах женился во второй раз. Новая супруга, Анна Магдалена, подарила ему аж тринадцать детей, из которых выжило только шестеро, а известными музыкантами стало лишь двое: Иоганн Кристоф Фридрих и Иоганн Кристиан.

В этот же день, но уже ровно 280 лет назад, состоялось первое исполнение "Траурной оды" И. С. Баха (на текст И. Х. Готшеда), написанной по случаю смерти саксонской королевы Кристианы Эберхардины. На её похоронах ода и прозвучала впервые.
Автор самой первой монографии о Бахе, историк и теоретик музыки И. Н. Форкель весьма восторженно отзывался об этом сочинении: "Хоры этого произведения так захватывают, что, начав играть их, уже не можешь остановиться, пока не кончишь".

Молодой Иоганн Себастьян Бах в год женитьбы на Марии Барбаре

18 октября, ровно 120 лет назад, в Кёльне состоялось первое исполнение Двойного концерта для скрипки и виолончели Иоганнеса Брамса - последнего оркестрового сочинения великого немецкого композитора. Дирижировал концертом сам автор.
В своём концерте Брамс вернулся к широко применявшейся старыми мастерами форме concerto grosso, для которой, как известно, характерно противопоставление оркестра и нескольких солирующих инструментов. Однако, взяв в качестве концертирующих инструментов скрипку и виолончель, Брамс избрал новое сочетание тембров, для которого, возможно, послужил образцом Тройной концерт Бетховена. Законченный в 1887 году, Двойной концерт скрепил перемирие Брамса со скрипачом Йозефом Иоахимом. Роберт Хаусманн взялся сыграть виолончельную партию. После нескольких репетиций, в ходе которых Иоахим дал Брамсу ряд советов по использованию солирующих инструментов, состоялась премьера.
В своём Двойном концерте Брамс решил избегнуть каких бы то ни было внешних эффектов, хотя технических трудностей в нём не меньше, чем, скажем, в Скрипичном концерте. Но здесь нет ничего блестящего, выигрышного для солистов, и потому успех к сочинению пришёл поздно - лишь когда публика по-настоящему оценила сдержанную теплоту его мелодики.

Примерно в это же время у Брамса произошла серьёзная размолвка с Кларой Шуман. Помирились они лишь после того, когда Брамс 13 сентября 1892 года послал Кларе очень тёплое письмо ко дню рождения.
__________
Грасбергер Ф. Брамс. М., 1980, с. 51-52.

Большой симфонический оркестр празднует сразу несколько юбилеев

Большой симфонический оркестр имени Чайковского откроет новый сезон 20 октября концертом в Большом зале консерватории в честь 50-летия собственной творческой деятельности и 75-летия руководителя оркестра дирижёра Владимира Федосеева.

"Этот год, сезон, день для меня очень значительный. Я сам себе задаю вопросы о том, что я сделал, что смог и успел, а что нет. Наша дирижёрская профессия длинная. И чем становишься старше, тем больше набираешься мудрости, и жизненный опыт даёт новые взгляды и импульсы на ту музыку, которой ты дирижировал 20 лет назад", - сказал Федосеев на пресс-конференции РИА Новости в четверг.

"33 года - это большой срок, и руководить оркестром - это сложный труд. Сложно удерживать оркестр в разных ситуациях - и в политических, и когда страна погибала, а мы были выброшены на улицу, во все эти времена нужно было искать выходы, знать, куда правильно обратиться, к кому правильно пойти. Всё это накладывает огромную ответственность. Ну вот с помощью хороших людей, которые понимают духовность нашей страны, и с помощью музыки удавалось выходить из сложных ситуаций", - отметил дирижёр.

"И вот ещё что должен заметить: мы никогда не станем страной третьего мира, как заявляют некоторые политики - нам не позволит это сделать наша культура", - заключил он.

В этом году у Федосева ещё один юбилей: он дирижирует уже полвека, ровно столько же, сколько существует БСО. Дирижёр начинает отсчёт своего творческого пути с того момента, когда легендарный Евгений Мравинский пригласил его в цикл концертом "Молодые дирижёры".

На юбилейном концерте будет исполнена "Торжественная месса" Бетховена, которую сам маэстро считает более современной и актуальной, чем та музыка, которую пишут сегодня. Федосееву уже пришлось иметь дело с этим произведением, однако он считает, что из-за отсутствия должного состава исполнение не удавалось ему должным образом.

Теперь же, на концерте в Большом зале консерватории, исполнять "Торжественную мессу" буде звёздный состав - двое австрийских певцов, сопрано Крассимира Стоянова и тенор Герберт Липперт, швейцарская меццо-сопрано Ивон Неф и итальянский бас Роберто Скандьюцци.

"Со всеми певцами, которые будут участвовать в концерте, я уже выступал раньше. Например, с Ивон Неф мы работает в Цюрихской опере", - отметил дирижёр.

Также в исполнении "Торжественной мессы" примет участие венский хор "Зингферайн".

Когда я думал об этом исполнении, я сразу имел ввиду этот хор. Это один из лучших хоров Западной Европы, несмотря на то, что это самодеятельный хор, и люди приходят на репетиции после работы. В них столько энтузиазма и любви к музыке, что я просто удивляюсь. Иногда от профессионалов не добьёшься того, чего ты хочешь, потому что они не любят свою профессию, устали от неё, а этот хор влюблён в то, что он делает", - рассказал Федосеев.

"Им, кстати, послезавтра исполнится 150 лет и они в этот день будут в Москве, так что это ещё один юбилей в нашей программе", - добавил он.

Со своей стороны, госпоже Неф сказала, что это её первый визит в Россию. "Я очень тронута тем, что меня пригласил маэстро Федосеев - у нас было мнго общих прекрасных музыкальных моментов", - отметила певица.

Она призналась, что обычно не смотрит во время выступления на дирижёра, так как "всё становится понятно ещё во время репетиции". "Но с маэстро Федосеевым всё гораздо интереснее: когда открыватся занавес, маэстро открывает своё сердце музыке. Он изменяет темпы, время растягивается, а его руки, как лепестки роз, поддерживают меня".

Скандьюцци же сообщил: "Во-первых, огромное удовольствие для меня - человека пятидесяти лет - участвовать в 50-летии творческой деятельности оркестра, а во-вторых, я только что исполнил роль Бориса, и лишь позавчера состоялось последнее исполнение этой оперы с моим участием, а сегодня я в Москве - это судьба. Для меня огромная честь, что я нахожусь в великой России в честь великого дирижёра".

"Великий дирижёр - это тот же великий художник. И когда в его распоряжении находится полная палитра красок, только он может заставить эти краски стать ещё более красивыми и эффектными, а картину сделать шедевром. Маэсто работает уже 50 лет и за это время его опыт только возрастает - сейчас он может создавать полотна невероятной красоты", - считает итальянский бас.

Федосеев убеждён, что 50 лет - это не предел и у него ещё много замыслов.

Например, он задумал цикл "Воскресная месса": концерты будут проходить в воскресенье, в два часа дня, "чтобы люди были свободны, чтобы их дети смогли прийти".

Ирина Гордон
РИА Новости

23 октября, ровно 40 лет назад, в Большом зале московской консерватории состоялось первое исполнение Семи романсов Дмитрия Дмитриевича Шостаковича на стихи великого русского поэта Александра Блока.
"Чувство глубокого эстетического потрясения, - писалось в одной из рецензий, - которое вызвало новое сочинение у слушателей, объяснялось не только его собственной ценностью, но также и неожиданным появлением столь тонкой, всепроникающей романсовой лирики". И это неудивительно - две самостоятельные линии в творчестве Шостаковича - камерно-вокальная и квартетная соединились вместе, породив одно из великолепных, вершинных творений мировой музыкальной культуры.
Когда-то, ещё в юности, Шостакович горячо полюбил поэзию Блока. Любовь к его утончённой лирике осталась у композитора на всю жизнь, однако в музыке до времени не находила определённого выражения.
И вот в 1967 году им создаётся произведение большой художественной силы - вокальный цикл на стихи Блока.
В цикле содержится семь романсов ("Песня Офелии", "Гамаюн - птица вещая", "Мы были вместе", "Город спит", "Буря", "Тайные знаки", "Музыка"), не связанных между собой определённым содержанием, но передающих различные состояния, настроения. Содержание их - в поэтическом восприятии мира, такого различного и текущего, изменчивого и неустойчивого.
Предназначается же цикл для сопрано соло в сопровождении трио инструментов - скрипки виолончели и фортепиано. Партии всех исполнителей индивидуализированы, выразительны и потому, несмотря на камерный состав, музыка звучит насыщенно и полно. Причём инструментальные партии довольно редко объединены - художественно равноправные они чаще соединяются попарно с голосом, образуя дуэты, иногда трио. Лишь в последнем номере ("Музыка") все четыре партии - голос и три инструмента - звучат вместе.
__________
Третьякова Л. С. Дмитрий Шостакович. М., 1976, с. 227-229.

Великий немецкий композитор Рихард Вагнер был крайне самовлюблённым человеком. Это видно по каждому его высказыванию, по всему его поведению, по его размашистому, вдохновенному, красивому почерку, по самоотверженному служению своему творчеству, по его мысли. Вполне естественно, что самовлюблённость впоследствии перешла в любовь к собственному творению - к каждому отдельному такту, к каждому отдельному слову, относящимся к целому. Ему и для себя самого ничего не было жалко - всё должно быть самым лучшим и драгоценным, и над каждой деталью партитуры он трудился словно ювелир, словно Бенвенуто Челлини; и сама мысль, и почерк, выражающий мысль, - всё было определено чувством совершеной, законченной красоты.
И вот, 24 октября, ровно 140 лет назад, в самом конце только что завершённой партитуры "Нюрнбергские Мейстерзингеры", прекрасно осознавая всю космическую значимость свершившегося события, Вагнером каллиграфическим почерком было выведено: "Трибшен, четверг, 24 октября 1867 года, 8 часов вечера".
__________
Галь Г. Брамс. Вагнер. Верди. Три мастера - три мира. М., 1986, с. 239.

Сегодня же, исполняется ровно 130 лет со дня рождения Павла Григорьевича Чеснокова - русского и советского хорового дирижёра, композитора и педагога.
Стиль хорового письма Чеснокова неподражаем и всегда узнаваем. Изысканность и красота гармоний, эмоциональная глубина и чистота, открытость в выражении религиозного чувства и великий мелодический дар делают Чеснокова крупнейшим духовным композитором XX века. Несмотря на прекрасное знание голосов и законов хоровой фактуры, хоры Чеснокова весьма сложны и "рискованны" для исполнения: их нужно петь либо очень хорошо и строго, либо не петь вообще, т.к. малейший эмоциональный нажим может превратить тончайшие гармонии в недопустимую слащавость и сентиментальность.

26 октября, в 19.00, в Музыкальном салоне Дома Учёных состоится концерт женского вокального квартета "Кампанелла", посвящённый 130-летию со дня рождения композитора.

Вот, кстати: http://forum.academ.org/index.php?showtopi...dpost&p=4699538

27 октября, ровно 140 лет назад, состоялась первая итальянская постановка оперы "Дон Карлос" Джузеппе Верди.
"Дон Карлос", пышное произведение огромнейшего формата, стал одновременно и последним, и самым долгоживущим отпрыском того рода искусства, который именуется "большой оперой" и которому оставалось жить совсем недолго. Скриба и Мейербера, основателей и носителей идеи "большой оперы" уже не было в живых. Монархия во Франции несколько лет спустя рухнула. Блеск "большой оперы" подошёл к закату, а вместе с ним и художественная форма, отвечавшая её существу.
С момента премьеры оперы в марте того же года в парижском "Гранд-Опера", Верди внёс в её партитуру существенные изменения и исправления. Так, для итальянской, австрийской и немецкой постановок им были полностью вычеркнуты первый акт, а также отвечавшая парижским нравам балетная музыка.
В Париже полная версия "Дона Карлоса", выдержав сорок три представления, явно не стала неудачей. В Париже к подобным длинным произведениям привыкли: приличное общество приходило в театр с опозданием, могло спокойно пропустить целый акт, либо же просто то и дело заходить и уходить, появляясь в зале только на наиболее эффектных эпизодах. Однако чрезмерная затянутость оперы (в спектакле звучало более четырёх часов музыки!), ставивили под угрозу общее воздействие, что вынудило Верди прибегнуть к сокращениям.
Интересно отметить, что в третьей редакции, поводом для которой послужила постановка в Милане в 1887 году, Верди снова восстановил первый акт, что, к сожалению, принято игнорировать во многих современных постановках.
__________
Галь Г. Брамс. Вагнер. Верди. Три мастера - три мира. М., 1986, с. 416-417.

29 октября, ровно 220 лет назад, в Праге состоялось первое исполнение оперы "Дон Жуан" Вольфганга Амадея Моцарта. Премьера прошла с невиданным успехом. Пражане громкими рукоплесканиями наградили Моцарта, дирижировавшего своем творением. Спектакль окончился, а овации в честь автора ещё долго сотрясали стены театра...
Сознавая, насколько его концепция выходит за рамки обычного комедийного спектакля, Моцарт определил жанр оперы как "весёлую драму". Однако со всей уверенностью можно утверждать, что, объединив философское начало с бытовым и уделив основное внимание раскрытию идейно-психологических конфликтов, Моцарт создал в "Дон Жуане" новый тип оперного спектакля - психологическую музыкальную драму - жанр, который прошёл огромный путь развития в XIX веке.
Интересно проходили репетиции оперы. На самой первой из них Моцарт часто прерывал исполнение, чтобы дать необходимые указания: в финале 1-го акта артист, исполнявший роль Дона Оттавио, плохо танцевал менуэт; Моцарт бежит на сцену и, к великому удивлению артистов, исполняет любимый танец со свойственной ему лёгкостью и грацией.
В том же финале Дон Жуан похищает Церлину; певица, исполнявшая роль наивной крестьянки, издавала при этом глухой, неестественный крик. Моцарт, выведенный из терпения, идёт на сцену, велит повторить последние такты менуэта и в момент, когда должен раздаться крик Церлины, схватывает певицу за талию с такой силой, что та невольно вскрикивает.
- Браво! Теперь каждый поймёт, - сказал автор, - что ваша невинность в опасности.
Оперу "Дон Жуан" давали часто, она шла при переполненных залах. И каждое представление было для композитора большой радостью. "Хотел бы пожелать моим друзьям... побывать здесь хоть один-единственный вечер, дабы порадоваться вместе со мной", - простодушно признавался он в письме...
Одно лишь омрачало радость - деньги. Пражские антрепренёры заплатили за "Дон Жуана" смехотворно низкую сумму - каких-нибудь 100 дукатов. Надо было, не задерживаясь, выезжать в Вену - проталкивать "Дон Жуана" на придворную оперную сцену.
В середине ноября Моцарт уже был в императорской резиденции.
И снова, как в пору "Фигаро", началась борьба, тяжёлая, изнурительная, выматывающая силы и здоровье. И опять в борьбу включился да Понте... Он добился разрешения поставить оперу. Но это ещё не значило, что театр хорошо поставит её. Театр бурлил и кипел интригами...
__________
Кремнев Б. Вольфганг Амадей Моцарт. М., 1958, с. 223-226.
Берлянд-Чёрная Е. Оперы Моцарта. М., 1957, с. 93.
Корганов В. Моцарт. Биографический этюд. М., 1900, с. 232.

30 октября, ровно 50 лет назад, в Большом зале московской консерватории состоялось первое исполнение Одиннадцатой симфонии Дмитрия Дмитриевича Шостаковича, посвящённой событиям первой русской революции 1905 года.
Одиннадцатая симфония, подготовленная такими произведениями композитора, как "10 хоровых поэм на слова революционных поэтов", а также музыкой к многочисленным кинофильмам, открывает совершенно иной, в отличие от других симфоний, мир музыкальных образов и знаменует собой развитие иного типа симфонизма в творчестве Шостаковича - программного.
Правда, черты программности встречались и ранее - первая часть Седьмой симфонии яркий тому пример. Но в этой, Одиннадцатой, программность носит иной характер.
Основной особенностью симфонии является то, что её музыкальная ткань пронизана мелодиями старых революционных песен. И хотя эти мелодии "поют" здесь только инструменты оркестра, но благодаря широкой известности они входят в сознание слушателей как песни со словами. И тогда "звуки становятся голосами, оркестровые тембры получают живую видимость", - как писала Мариэтта Шагинян. Причём композитор не просто вводит их в симфонию как цитаты (что встречалось ранее - и у него самого в вокально-симфонической "Поэме о Родине", и у других композиторов), но насыщает интонациями этих прекрасных песен всю музыкальную ткань симфонии. И она становится как бы родной стихией для целостных проведений этих мелодий, порой довольно развёрнутых и протяжённых, которые органично сливаются с окружающей их музыкальной средой.
Всё это создаёт удивительное впечатление целостности музыкального языка всей симфонии, который выражает чувства огромных человеческих масс, охваченных единым порывом, пафосом революционной борьбы. И вместе с тем музыка очень ярко, почти наглядно воссоздаёт и внешнюю сторону тех далёких событий, их обстановку и даже последовательность.
Одиннадцатая симфония была сразу же высоко оценена музыкальной общественностью нашей страны. Ей было посвящено большое количество статей в различных журналах и газетах. Единодушие критиков было редкостным: "Давно, со времён Мусоргского, не рождалась в русском искусстве народная музыкальная трагедия такой исполинской силы".
__________
Третьякова Л. С. Дмитрий Шостакович. М., 1976, с. 202 и 209.

1 ноября, ровно 120 лет назад, в Петербурге состоялось первое исполнение оперы "Чародейка" Петра Ильича Чайковского. Дирижировал оперой сам автор.
"Чародейка" стала крупным этапом в развитии Чайковского-драматурга, однако её сценическая судьба сложилась не особенно счастливо. "Никогда я с таким старанием не работал, как над "Чародейкой", - писал Чайковский одному из друзей. Но, увы, пятым её представлением он уже не дирижировал, а на седьмом, состоявшемся при полупустом зале, всем стал ясен "решительный провал".
Что касается критики, то ни одна опера Чайковского не вызвала столь многочисленные отрицательные отклики, как "Чародейка". Композитора винили в отсутствии драматического чутья, в засильи оркестровых фрагментов. Главное же - не понимали основного достоинства произведения - глубокого взаимопроникновения вокального и инструментального начал. Примечательно парадоксальное замечание Н. Д. Кашкина - русского музыкального критика и педагога, который один из немногих дал опере в целом положительную оценку при первых постановках на петербургской и потом на московской сценах: "... Заботиться о сжатости музыки, композитору, вероятно, было очень трудно; кажется, имей он больше простора, и впечатления растянутости не получилось бы, ибо оно, по нашему мнению, является последствием не размеров сцены, а, скорее, отрывочной спешности её развития".
__________
Вайдман П. Е. Материал сайта www.tchaikov.ru.

Белый танец детства

Вчера в Концертном зале им. Чайковского грандиозным концертом отпраздновал свой 70-летний юбилей Ансамбль песни и пляски им. Владимира Локтева. Самое важное, что за всё это время через сильнейших педагогов ансамбля прошли тысячи детей (а точнее, около 70.000), многие из которых впоследствии стали серьёзными музыкантами.

Чудесная история коллектива потекла ещё с 1937 года, когда народный артист СССР Александр Александров решил создать в городском Доме пионеров хоровые, танцевальные и оркестровые отделения. Идея оказалась живучей: число желающих войти в ансамбль росло день ото дня. Но началась война. Казалось бы, крах всему. Но профессор консерватории Владимир Локтев собирает неэвакуированных ребятишек и начинает с ними занятия. Они выступают на фронтах перед ранеными, дают концерты в госпиталях. А за концерт - подарок каждому ребёнку стакан ацидофилина. Многие из артистов после концерта уходили на фронт...

Шли годы, ансамбль развивался, активно гастролировал, объехав всю территорию Советского Союза, а также Европу, Азию, Америку. Наименование "локтевцы" стало буквально нарицательным, узнаваемым в целом свете. Да и что удивляться: ведь на протяжении 47 лет педагогом по хореографии была Елена Романовна Россе, а 35 лет (до своей кончины) руководил ансамблем народный артист Алексей Ильин.

На концерте в зале Чайковского все четыре "подразделения" локтевцев под руководством Виктора Соболева показали свой класс: это разновозрастные хоры, хореографические группы, оркестры и отдельный духовой оркестр. Дай Бог им удачи во всех музыкальных начинаниях, ведь продолжают они своё образование в ведущих музвузах страны!

"Московский комсомолец"

4 ноября, ровно 120 лет назад, в парижском "Гранд-Опера" состоялось торжественное, 500-е исполнение оперы "Фауст" Шарля Гуно. Будучи созданной в 1859 году, опера давалась в среднем примерно 18 раз в год, что свидетельствует об огромной популярности этого гениального произведения.
Песенный и мелодичный склад оперы очаровывает. Многие номера из неё уже давно живут своей жизнью. Взять хотя бы самые известные из них: знаменитая "визитная карточка" Мефистофеля "Le veau d'or est toujours debout" (Золотой телёнок всегда на ногах", в русском переложении - "На земле весь род людской"), проникновенная песня Маргариты о короле и его возлюбленной "Il etait un roi de Thule" ("Жил-был король Тюле"), грустная песня Маргариты, ожидающей Фауста "Il ne revient pas" ("Он не вернётся"), бодрый марш вернувшихся с войны солдат "Deposons les armes" ("Снимем оружие"), балет из последнего акта и т.д.

Сегодня же, исполняется ровно 160 лет со дня смерти Феликса Мендельсона-Бартольди - немецкого композитора, пианиста, органиста, дирижёра и музыкально-общественного деятеля.
В один из октябрьских дней 1847 года, когда Мендельсон слушал свои новые песни в исполнении Ливии Фреге, у него начался сильнейший приступ головной боли, сопровождающийся ощущением онемения колнечностей. Через день боли стихли, состояние улучшилось... Однако через пять дней, 4 ноября, приступ повторился с новой силой. Мендельсон потярял сознание и через несколько часов, от кровоизлияния в мозг, скончался. Композитору было всего каких-то 38 лет...
Его смерть повергла в глубокую скорбь не только музыкантов Гевандхауза, преподавателей и студентов консерватории, но и всех жителей Лейпцига. Толпы одетых в чёрное людей собрались на траурную панихиду. Роберт Шуман, Мориц Гауптман, Игнац Мошелес, Юлиус Риц, Нильс Гаде и Фердинанд Давид несли крышку гроба.
Через четыре дня специальный поезд с гробом композитора направился в Берлин. В Галле, Кётене и Дессау его встречали траурными песнопениями местные хоровые общества. На Иерусалимском кладбище, рядом с могилой его сестры Фанни, тело Феликса Мендельсона было предано земле.
__________
Мейлих Е. И. Мендельсон-Бартольди. Л., 1973, с. 103-104.

Сегодня, 5 ноября, исполняется ровно 120 лет со дня рождения Пауля Витгенштейна - австрийского пианиста. Потеряв на фронте во время Первой мировой войны правую руку, Витгенштейн достиг виртуозной техники исполнительства левой рукой и продолжал концертную деятельность. Специально для него были написаны Первый фортепианный концерт для левой руки М. Равеля, Четвёртый фортепианный концерт для левой руки С. С. Прокофьева, а также сочинения Р. Штрауса, П. Хиндемита, Б. Бриттена.

6 ноября, ровно 290 лет назад, произошёл знаменитый "арест" Иоганна Себастьяна Баха.
В документах о жизни и деятельности немецкого композитора можно прочесть, что 6 ноября 1717 года Бах "за проявленное упрямство и за требование отставки был посажен под арест в помещении земельного суда". "Auf der Landrichterstube arretiert" - говорится в подлинниках записи секретаря суда Бормана. Но вот что интересно - дальше абсолютно ничего не говорится о каком-либо препровождении Баха к месту ареста и последующему отбыванию им срока.
Несмотря на всё вышеизложенное, история эта породила вокруг себя множество досужих вымыслов и мифических фантазий. Например, в Веймаре до сих пор проводят экскурсии, во время которых показывают тюрьму, где якобы "тянул срок" несчастный Бах. А для пущей красоты изложения рассказывают, что и в этой нелицеприятной ситуации великий композитор не сидел сложа руки, а продолжал творить. Что именно в этой тюрьме Бахом якобы была создана знаменитая "Органная книжка" - сборник, включающий 46 органных хоральных прелюдий для начинающих музыкантов. Кто-то также пишет, что, дескать, "сидел" Бах в наиболее комфортабельной камере тюрьмы. Оно и понятно - виртуоз как-никак, даже сам Маршан за два месяца до этого отказался с ним соревноваться...

Так что же произошло на самом деле? А произошло вот что. Когда Бах переехал на службу в Веймар, герцог Саксен-Веймарский Вильгельм Эрнст повысил ему жалованье, однако на должность капельмейстера (высшая должность в придворной иерархии) назначил не его, а некоего Дрезе (сначала это место предлагали Телеману - тот почему-то отказался). Тогда Бах как бы в отместку подписывает соглашение с кётенским князем Леопольдом о назначении его на должность тамошнего капельмейстера. Добившись согласия, Бах получает от кётенского князя деньги, ещё не получив отставки в Веймаре. Веймарский герцог опять добавляет жалованье. Бах денежки принимает, а кантаты не пишет. Понимая, что композитора удержать в Веймаре вряд ли удастся, герцог решает сделать так, чтобы Бах не уехал самовольно - лицо-то надо сохранить. И что же он делает? Он объявляет Баху "арест", т.е. запрет на выезд за пределы герцогства (немецкий глагол "arretieren" - это помимо "заключения под стражу" ещё и "останавливать", "задерживать"). А примерно через месяц, 2 декабря 1717 года, Бах получает отставку с одновременным освобождением из-под этого самого "ареста". После чего композитор едет в Кётен, где проводит лучшие годы своей жизни. А "тюрьмы"-то никакой и не было.
__________
Милка А., Шебалина Т. В. Занимательная бахиана. С-Пб., 2001.

Сегодня, 8 ноября, исполняется ровно 120 лет со дня рождения Юрия Александровича Шапорина - советского композитора, педагога и общественного деятеля. В своём творчестве Шапорин продолжал героико-патриотические традиции русской музыки, что характерно для таких его сочинений, как опера "Декабристы" (1953), симфония-кантата "На поле Куликовом" (1939), оратория "Сказание о битве за русскую землю" (1944). Кроме того, среди его работ выделяются: Симфония с дополнительной духовой группой, смешанным хором и фортепиано (1932), Шутейная сюита "Блоха" из музыки к одноимённой пьесе (1928), баллады "Кондор" (сл. И. А. Бунина, 1915) и "Геральд Свенгольм" (сл. А. К. Толстого, 1915), а также романсы на слова Ф. И. Тютчева, А. С. Пушкина, А. А. Блока.

Билеты на концерт памяти Караяна распроданы за полдня

В 2008 году во всём мире будет отмечаться 100-летний юбилей со дня рождения Герберта фон Караяна. Один из самых влиятельных дирижёров в истории мировой музыки родился 5 апреля 1908 года в Зальцбурге. Как сообщает австрийское агентство APA-ZukunftWissen, начало года Караяна в 2008 году ознаменуют многочисленные концерты и торжественные вечера. Кроме того, будут изданы новые книги, выйдут CD с записями его концертов.

Во всех городах, где в своё время выступал Караян, пройдут презентации архивных и музейных экспонатов, связанных с жизнью и творчеством великого мастера. Все запланированные торжества стали возможны благодаря инициативе Центра имени Герберта фон Караяна, который расположен в Зальцбурге.

5 января год Караяна откроется концертом оркестра консерватории Зальцбурга в Большом концертном зале города. В программе заявлены Пятая симфония Чайковского, Фортепианный концерт Моцарта К488 ля мажор, симфоническая поэма Рихарда Штрауса "Дон Жуан" - именно с этими произведениями дебютировал юный Караян в 1929 году. Тогда отец Караяна нанял для своего сына оркестр. Так началась карьера великого музыканта.

В день рождения Караяна запланирован торжественный вечер в Доме Моцарта (Малый зал Фестшпильхауса в Зальцбурге). В пасхальные дни оргкомитеты Пасхального и Летнего фестивалей организуют музыковедческий симпозиум.

Венский музыкальный союз издал к юбилею цикл концертов Караяна в трёх частях.

28 января оркестр Берлинской филармонии под управлением Сеиджи Осава будет играть произведения Бетховена и Чайковского, партию скрипки исполнит Анна-София Муттер.

22 февраля Венский симфонический оркестр под управлением Джорджа Претре исполнит Восьмую симфонию Брукнера, а 8 июня пройдёт концерт Венской филармонии, дирижёр Рикардо Мути. В программе: "Реквием" Джузеппе Верди, выступление оперных звёзд Барбары Фриттоли, Рамона Варгаса, Лучано д'Интино и Томаса Квастхоффа.

Валерий Гергиев и Венская филармония 29 февраля дадут совместный концерт в память Караяна в нью-йоркском Карнеги Холле, среди заявленных произведений: "Ромео и Джульетта" Гектора Берлиоза, отрывки из "Тристана и Изольды" Рихарда Вагнера, и лучшее оркестровое произведение Клода Дебюсси - три симфонических эскиза "Море".

"Это не было нашей целью - заставить все концертные залы, где когда-либо выступал Караян, исполнять именно те произведения, которые в своё время здесь исполнял сам Караян. Но при составлении программы особое внимание было уделено произведениям из репертуара Караяна, сказал в интервью APA-ZukunftWissen исполнительный директор Центра Караяна Михаэль Девитте. - Вы даже не можете себе представить, насколько это было легко - воодушевить людей в Зальцбурге, Вене, Лондоне, Берлине, Париже, Нью-Йорке, Люцерне и Токио этим юбилеем. Имя великого Караяна - это до сих пор что-то невероятное".

И действительно, в Париже все билеты на праздничный концерт были распроданы менее, чем за полдня. Люцерн, с которым Караяна много связывало на протяжении целых 40 лет, также устраивает двухнедельный фестиваль (20-21 января). Сеиджи Осава и Анна-София Муттер выступят там с той же самой программой, которую они представят в Вене, к ним присоединятся двенадцать виолончелистов Берлинской филармонии.

Сеиджи Осава и Анна-София Муттер выступят также на Пасхальном фестивале в Зальцбурге, на этот раз в партнёрстве с музыкантами Берлинской филармонии. Михаэль Девитте, который одновременной является директором Пасхального фестиваля, по случаю Года Караяна организует музыкальный вечер, на котором будет исполнена опера Рихарда Вагнера "Валькирия", одна из четырёх эпический опер, входящих в тетралогию "Кольцо Нибелунга". Опера "Валькирия" является знаковым произведением, именно её исполнил Караян в год основания этого фестиваля в 1967 году.

В рамках Летнего фестиваля в память о Караяне в течение трёх вечеров, начиная с 15 августа, оркестром Венской филармонии и исполнением "Немецкого Реквиема" будет дирижировать Рикардо Мути. Два вечере подряд в Токио будут выступать оркестры Берлинской и Венской филармоний.

РИА Новости

Сегодня, 14 ноября, исполняется ровно 110 лет со дня смерти Джузеппины Стреппони - жены великого итальянского комозитора Джузеппе Верди. "Сильная боль, - писал Верди одному из своих друзей, - не нуждается в каком бы то ни было выражении, она требует молчания и одиночества - я бы сказал, муки раздумий. Любые слова поверхностны, любое выражение - профанация".
Джузеппина, ещё будучи молодой певицей, сыграла значительную роль в начале творческого пути композитора, первой открыла в нём художника и поняла его. После долгих лет безжалостной эксплуатации ей угрожала потеря голоса, и она покинула сцену, поселившись в Париже и занявшись преподаванием вокального искусства. Она была самым верным другом из всех встреченных Верди на жизненном пути. Он стал для неё кумиром, которого она никогда не называла по имени и говорила, обращаясь к нему, только "Верди". В 1859 году она стала его женой. Наделённая исключительным умом, женским чувством такта и безграничным терпением, она во многом способствовала тому, чтобы привнести спокойствие в его жизнь и, насколько это было возможно, учитывая крутой и бурный характер Верди, в значительной мере нейтрализовала его трения с внешним миром. Брак этот оказался бездетным, но его гармония ни разу не была омрачена. А если вспомнить ещё, каким минимальным образованием ограничивались в то время певицы и в какой атмосфере приходилось жить Джузеппине в то время, когда она работала в театре, то невольно проникаешься уважением к её личным качествам, о которых можно судить и по письмам. Её чувства всегда находили выражение в трогательной форме, когда она говорила о Верди. "Не правда ли, - пишет она в письме Джулио Рикорди, - что Верди как человек превосходит Верди художника? Прошло уже немало лет, в течение которых мне выпало большое счастье жить в непосредственной близости от него, и бывают такие моменты, когда я сама не могу точно сказать, что больше - моя любовь к нему или моё восхищение им, его сердцем, его характером..."
Джузеппина Стреппони была двумя годами моложе Верди и происходила из театральной семьи. С двадцати лет она стала выступать на сцене и быстро выдвинулась, ибо происходило это в то время, когда масштабные задачи, свойственные оперному искусству Доницетти и Беллини, породили большой спрос на голоса высокой пробы. Театральные антрепренёры отправляли своих клиентов куда тем заблагорассудится, и Стреппони, как признанная примадонна, пользовалась большим успехом.
__________
Галь Г. Брамс. Вагнер. Верди. Три мастера - три мира. М., 1986, с. 328-329, 353.

Сегодня, 15 ноября, исполняется ровно 220 лет со дня смерти Кристофа Виллибальда Глюка - немецкого композитора.
Последние годы жизни Глюка прошли в Вене. Там его занимали планы создания немецкой национальной оперы. Внимание престарелого композитора было обращено к Веймару - духовной родине немецкой классической литературы, представленной именами Гёте и Шиллера, Гердера и Виланда. С двумя последними у Глюка наметились возможности творческого сотрудничества. Одновременно у него возродилась давняя мечта - написать музыку к "Битве Германа" Клопштока. Достигший преклонных лет композитор придавал особенно большое значение этой долго вынашиваемой работе, видя в ней венец своих творческих свершений. "Хотя "Битва Германа" и должна стать моим последним произведением, - писал композитор Клопштоку, я всё же надеюсь, что она будет не самым незначительным, так как её главный материал возник в то время, когда силы мои ещё не были ослаблены старостью". Однако этим замыслам не суждено было осуществиться. В июне 1781 года в разгар работы над новым произведением Глюка постиг второй удар, вызвавший правосторонний паралич. Хотя постепенно состояние его здоровья улучшилось, он вынужден был полностью отказаться от творчества.
Иоганн Фридрих Рейхардт - немецкий композитор и эстетик, навещавший больного композитора в 1783 году, вспоминал, как Глюк по памяти исполнял оставшуюся ненаписанной музыку к "Битве Германа". Несмотря на предостережения супруги, опасавшейся ухудшения состояния его здоровья, Глюк после прогулки и кофе своим слабым огрубевшим голосом с глубоким чувством спел несколько номеров, аккомпанируя себе на клавире. Рейхардт был настолько захвачен услышанным, что тут же, с разрешения автора, записал по слуху музыку оды "Смерть". В перерывах между пением Глюк пытался воспроизвести голосом звучание рогов и кличи сражающихся. По словам Рейхардта, композитор даже вынашивал планы создания для "Битвы Германа" специального звукоизобразительного инструмента.
... Исполняя свою музыку, напевая и наигрывая, дополняя богатой мимикой и жестикуляцией то, что не могли выразить звуки, изнурённый болезнью композитор преображался, всё более воодушевляяст и словно молодея. По его щекам струились слёзы радости, когда он пел последний героико-патриотический хор бардов.
В последующие годы Глюк пытался диктовать музыку "Битвы Германа" своему ученику Антонио Сальери, но тщетно - силы оставляли престарелого композитора...
Спустя два дня, 17 ноября 1787 года, во время заупокойной службы, под управлением Антонио Сальери впервые прозвучало последнее наиболее значительное произведение Глюка - четырёхголосный псалом для хора с сопровождением "De profundis". Прах композитора, вначале погребённый на одном из окрестных кладбищ, был впоследствии перенесён на центральное городское кладбище, где покоятся все выдающиеся представители музыкальной культуры Вены.
__________
Белецкий И. В. Кристоф Виллибальд Глюк. Л., 1971, с. 97-99.

18 ноября, ровно 140 лет назад, на сцене Большого театра в Москве в первый и единственный раз была показана опера-фарс "Богатыри" Александра Порфирьевича Бородина.
Идея оперы исходила от писателя В. А. Крылова - автора оригинальных и переводных пьес, задумавшего создать пародийный спектакль, осмеивающий оперные штампы. Используя сюжетные мотивы былин, повествующих о приключениях русских богатырей, он сочинил пьесу и, посвятив в свою затею Бородина, попросил его написать музыку. Бородин согласился. Он любил шутку, юмор, сам был остроумным собеседником и неплохим пародистом. Однако сжатые сроки заставили Бородина отказаться от мысли сочинить свою музыку; он предложил Крылову ограничиться подбором соответствующих отрывков из произведений других авторов, на что драматург охотно согласился.
К поздней осени 1867 года всё было готово: часть музыки Бородин всё же успел написать сам, остальное составили изобретательно подобранные и обработанные им отрывки из опер Мейербера, Россини, Верди, Серова и оперетт Оффенбаха; по ходу сюжета действующие лица вели и разговорные диалоги. В целом получилась весьма остроумная пародия на условности так называемой большой оперы Мейербера и на "Рогнеду" Серова.
Однако на премьере опера успеха не имела и провалилась. Публика, настроенная рекламой на сенсационно-разоблачительное представление, не поняла замысла авторов; высокие же чиновные круги усмотрели в ней оскорбительные для них намёки. Александр Порфирьевич так и не увидел её на сцене - он не смог приехать в Москву на первое представление, которое, как выяснилось, оказалось последним.
__________
Зорина А. П. Александр Порфирьевич Бородин. М., 1987, с. 69.

21 ноября, ровно 70 лет назад, публика, заполнившая Большой зал Ленинградской филармонии, с особым интересом ожидала начала концерта, в котором впервые должна была прозвучать Пятая симфония Дмитрия Дмитриевича Шостаковича. Всем памятны были критические статьи, посвящённые ему, многочисленные дискуссии, где его взгляды, его поиски и достижения отнюдь не всегда встречали доброжелательность и понимание.
И теперь на суд публики должна была предстать его новая симфония. Какая она? О чём она? Вместилищем каких мыслей и чувств явилась её музыка? В публике заметно было оживление и в некоторой степени даже ожидание сенсации. Всё это налагало особую ответственность на исполнителей, что понимали все - оркестранты, занимавшие свои места за пультами, и молодой дирижёр Евгений Мравинский, ещё не известный тогда широкой публике. Его блистательная музыкальная карьера ещё только начиналась, и начиналась она именно с исполнения Пятой симфонии Шостаковича.
В тот памятный вечер он вышел на эстраду стремительной энергичной походкой, решительно и властно поднял палочку и взмахнул ею. И полилась музыка. Нет, она даже не полилась, а заговорила с людьми, заговорила скорбным и суровым тоном, о вечном, непреходящем, что волновало человечество на протяжении тысячелетий, и о чём-то глубоко личном, сокровенном, что слушатели познали, почувствовали лишь сейчас, с первыми звуками оркестра...
Успех симфонии нельзя назвать большим - он был ошеломляющим: бесконечные овации слушателей, вызовы композитора и дирижёра, обмен восторженными мнениями даже между людьми незнакомыми - на фоне непрекращающихся оваций... Это осталось незабываемым для всех, кому посчастливилось быть на той премьере.
__________
Третьякова Л. С. Дмитрий Шостакович. М., 1976, с. 123-124.

23 ноября, ровно 170 лет назад, на концерте в театре "Атенеум" было впервые исполнено Скерцо для оркестра - первое сочинение молодого 19-летнего Шарля Гуно, обучавшегося тогда ещё в Парижской консерватории.

Сегодня же, исполняется ровно 40 лет со дня смерти Натана Григорьевича Факторовича - дирижёра и педагога.
Начиная с 1950 года, Факторович работал в Новосибирской государственной консерватории имени М. И. Глинки. Будучи в 1950-1952 и 1960-1964 годах дирижёром-постановщиком Новосибирского театра оперы и балета, он осуществил ряд следующих постановок: "Красный мак" Р. Глиэра, "Руслан и Людмила" М. Глинки, "Проданная невеста" Б. Сметаны, "Берег счастья" А . Спадавеккиа, "Майская ночь" Н. Римского-Корсакова, "Ромео и Джульетта" Ш. Гуно, "Октябрь" В. Мурадели, "Болеро" М. Равеля.

Сегодня, 30 ноября, исполняется ровно 70 лет со дня рождения Эдуарда Николаевича Артемьева - советского композитора и педагога.

Эдуард Артемьев - странный человек. Кино не смотрит, музыку не слушает, встречаться ни с кем не хочет. В запои вроде не уходит. Хотя нос красный. Сидит себе за монитором (пардон, тремя), колдует... И - полное безразличие к миру. До этого 25 лет писал оперу "Преступление и наказание". Закончил. Сейчас идёт первая запись с хорами и оркестрами. Кончаловский собирается ставить.
- И нет ревности у Вас, скажем, к Шнитке или Канчели - первому ряду гениев-композиторов? А то от иных до сих пор слышишь: этот Шнитке всё у меня украл!
- Я... с этим чувством не знаком даже. Закоренелый индивидуалист. Что Вы от меня хотите?
И не пришли бы мы к нему никогда, если бы не та сотня фильмов (среди который "Солярис" и "Сталкер"), оформленных его звуком - звуком пионера-электронщика.

Родился Эдуард Артемьев в 1937 году. Учился в Московской консерватории у Юрия Шапорина. После встречи с создателем первого синтезатора Евгением Мурзиным окончательно углубился в авангардное для тех дней электронное направление. Создал знаменитую "Мозаику", "Двенадцать взглядов на мир звука"... Встреча с Мурадели привела его в кино, где Артемьев сотрудничал с Тарковским, Кончаловским, Михалковым, Абдрашитовым, Самсоновыв, написав музыку к фильмам: "Солярис", "Свой среди чужих", "Чисто английское убийство", "Раба любви", "Сталкер", "ТАСС уполномочен заявить", "Визит к Минотавру", "Город Зеро", "Урга", "Сибирский цирюльник" и другим.

- Иди посмотри. Там где-то дрезина должна быть. Скорее же!.. - это Тарковский рисует своего Сталкера. Пошло движение: бензин залит, дрезина тронулась. И с этого места меняется мир. Теперь Андрей Арсеньевич мёртв. Солоницын, Гринько, Кайдановский... все уже там, братцы. Единственный свидетель их свидания с Зоной - Эдуард Артемьев, композитор, - до сих пор отсчитывает дробное "та-та", когда колесо дрезины наезжает на стык рельсов.

***
Квартира Артемьева в башне на Ленинградском шоссе. Не, квартира не годится: студия. От пола до потолка - вся в звукотехнике. Сидим в пузыре - в тотальной звукоизоляционной обшивке. И только вид из окна, с 13-го этажа, делает и нас, и всё вокруг спасительно случайным.
- Тарковский был скуп на похвалы. Никогда, знаете ли... Но именно за это место в "Сталкере" похвалил. Понимаете, когда мы смотрим с режиссёром готовую ленту и он предлагает написать музыку к тому или иному эпизоду, я часто говорю: здесь не надо... ничего.

- Если каждому говорить "ничего", сам без зарплаты останешься. Вы состоятельный господин?

- Конечно. В кино почему все раньше рвались? Сколько в СССР получали в среднем? 120 рэ в месяц. А композитор брал за фильм 5000 рублей (2500 - договор, остальное - прокат). Два фильма в год сделаешь - можно не работать. А сейчас и вообще с каждого кинотеатра по 3%... Но я не буду жить только на дивиденды.

- Ладно. А Тарковский? Как он объяснял, что хочет?

(Дышать нечем. Артемьев берёт со стола бутыль с "боржомом" и тянет из горла.)
- А никак. Говорил: смотрите фильм. Там всё объяснено. Что я буду Вам на пальцах?.. Для того и снимал, чтобы молчать.

- И как Вы к нему попали?

- Дело случая. Как и всё в моей жизни. Знакомый художник пригласил на вечеринку. Сидели, выпивали... Богема! И я нормально пил. С удовольствием.

- Как-то не вяжется хмельная дрянь с визитами в Зону. Помните: Кайдановский забирает у Солоницына бутыль и выливает пойло в траву.

- О чём Вы? Если я глоток пива сделаю, то работать уже не могу: всё вышибает. Мне выпивка для вдохновения не нужна. Наоборот. Хотя... Скрябин, судя по слухам, музыку сочинял, потягивая рюмку коньячку. Часа четыре.

- И от написания своего с ума не сходите?

- Я? Нет. У меня твёрдая психика.

- А вот про Шнитке говорят...

- Ерунда всё это. При чём здесь? У него последние десять лет давление было колоссальное - под 220! Чистая патология.

- Так Вы про ту богемную вечеринку...

- А, да. Сидим. Тут же - Тарковский. А мне его имя ничего не говорило - кто такой? Какое там "Иваново детство". Кто-то сказал: Андрей, вот познакомься: Лёша (я в крещении Алексей), занимаетя электроникой... - Да? Надо посмотреть.
Я более и не вспоминал об этом разговоре. А однажды приносят телеграмму с просьбой зайти на Мосфильм. Так мы и начали работу над "Солярисом".

- Он был доволен Вами?

- Откуда я знаю? Если он меня приглашал на следующие картины, значит, что-то его удовлетворяло.

- А Вам нравилось? Интересно было?

- Нравилось - не нравилось... Эти слова не ко мне. Я - профессионал. Трудно всегда. И ничего интересного здесь нет. Я с лёгкостью не работаю. Всегда преодолеваю себя. Рутина - это то, что у тебя наработано. Не будешь же искать новое в каждом кадре: так годами можно музыку писать! А в кино заставляют работать быстро.

***
Артемьев в 1945 году (ему было тогда семь лет) поступил в Хоровую десятилетку в Москве. Потом - Консерватория. Уже с 14 лет стал писать.

- Помните свои первые сочинения?

- Так, ерунда какая-то. Что-то громоподобное под влиянием Рахманинова. Его тогда только-только стали разрешать, ведь в 42-м он перевёл колоссальные деньги на Красную Армию, вот Сталин и позволил ему немного...

- А в Консерватории Вас сразу вынесло на Скрябина и других полузапретных новаторов?

- Потом узнал, что музвузы по договору между собой обменивались нотами. В Москве было всё! И Шёнберг, и Веберн, и Дебюсси. Но лишь немногое из этого всего выдавалось студентам. Как раз Альфред Шнитке сидел в библиотеке (выносить ноты запрещалось!), читал. Я, едва увидев его в перый раз, понял, что человек он необычный. О нём тогда уже стали поговаривать. А я... был очень незаметен. Не любил Консерваторию - неуютно там как-то. И сейчас не захожу. И потом. Скучно было. Особенно на занятиях по немецкой классике. Все эти Шуман, Шуберт, Бах, Бетховен...

- И это говорите Вы, талантливый человек...

- Талант-талант... Крепкий зад надо иметь, чтоб из тебя музыкант вышел толковый! Сидеть и долбить одно и тоже. Тренаж! И перескочить через эту стадию ещё никому не удавалось.

- Вот Вам скучно от классики. А как же сейчас в каждой консерватории идёт поросль молодых композиторов? Им-то что прикажете писать?

- Не знаю, что они будут писать, но те, кто избегает электроники, никогда в музыке не продвинется. Звук - это пространство, которое не ограничивается звучанием скрипки или альта. Нет привилегированных звуков; весь мир - материал для музыки: скрип калитки, лай собаки. Какая разница, какого звук происхождения? Таинство - в их совмещении. И здесь важно знать новые технологии.

... Ясно-ясно. Ведь после Консерватории Артемьева пригласил в свою лабораторию знаменитый инженер Мурзин - создатель первого синтезатора АНС (по инициалам Скрябина):
- Авангардист Ксенакис гостил как-то в Москве. И как он был поражён, когда зашёл в музей Скрябина, увидел АНС и узнал, что эти умные машины были придуманы лет за 40 до него, ещё в 30-е годы! А эту технику (Артемьев показывает на всякие рекордеры-эквалайзеры вокруг себя) двинули вперёд рок-музыканты. А не профессора какие-нибудь, которые сидели бы ещё сто лет и решали бы проблемы... теоретически. А так - коммерция быстро сделала погоду. И это хорошо, на этом построен мир.

- Хвала року? Шоу-бизнесу? "Битлз"?

- "Битлз" мне совершенно не нравились. Играть и петь они не умели. До сих пор не могу их слушать. Что-то там бренчат на гитарах, поют нестройно. Не лучше иной сельской самодеятельности.

- Народу нравилось.

- Это меня и поражало. Но потом, когда настоящие оркестры стали играть их "чудные" темы, я немного изменил отношение.

- А то вот недавно в Москву приезжал Филипп Гласс...

- Меня активно звали с телевидения, хотели, чтобы я вёл с ним умную беседу на равных, но я отказался. Потому что минимализм как стиль не принимаю. Как композиторский приём - да. А так... крутят часами одно и то же. Потеря времени. Я могу и сам это всё написать.

- Да ну?

- Очень легко. И потом... Время лидеров в мировом масштебе в искусстве закончилось. Последним в таком качестве себя пытался приподнести Штокхаузен.

- Который сказал про самолёты, вошедшие в башни-близнецы, что это величайшее произведение искусства?

- Пусть говорит всё что хочет. Он уже затерялся под натиском рок-музыки.

- Вы с ним лично не знакомы?

- Нет.

- А хотели бы?

- А какая нужда?

- Разве личный контакт ничего не значит?

- Я - одиночка. Сам по себе. И контакты мне не нужны.

- В Консерватории когда были в последний раз в качестве слушателя?

- Лет двадцать назад. Я настолько испортил свой слух, привык к искусственному, кристаллизированному звучанию, что любая погрешность в исполнении меня сильно огорчает.

- Но это несовершенство потрясающее. Оно - живое!

- Живое - не живое... Меня оно раздражает! Я лучше поставлю CD и один дома всё послушаю. Ведь грязные ноты никогда не пойдут в печать, и на любой сидишке всё вычищено до идеала. Так, как это не сыграет ни один оркестр. Вообще нас с Вами, должен сказать, редакторы избаловали идеальным звучанием.

- По счастью, записи года эдак 58-го редактировать не удастся.

- Туда не влезешь, но ведь та же химия была: писали дублями до тех пор, пока не сыграют правильно. А потом склеивали.

- Хорошо, но почему люди валят в Большой зал консерватории в 10-й раз послушать Бетховена?

- Находят в этом какое-то удовольствие, уж и не знаю. А я занят.

- У Вас что же, кроме фильмов есть отдельные заказы?

- Заказов нет. Вот только Башмет лет шесть назад просил у меня Концерт для альта соло. Я пообещал, а теперь боюсь с ним встречаться.

- А расслабиться? Подзарядиться?

- Я заряжаюсь в процессе работы. Отдых? Да я десятки лет не знал, что это такое! Только в этом году полетел на Мальдивы. Потому что надоела зима! Надоела!

- Вы же из Новосибирска родом, северный человек...

- Да, северный. Но, видимо, в детстве так намёрзся, что зимою вообще не выхожу из квартиры. Ни-ку-да. Сижу в кресле. Компьютер, программы. И ничего больше не надо.

- А путешествия? Лувр? Пирамиды?

- Скука сплошная. Мне достаточно того, что внутри. А то, что внутри, заложено с детства. Были сильные впечатления. Полярные сияния... И этого мне хватает. Пока.

***
- А в церковь пойти? Вы же крещёный?..

- Туда жена ходит каждое воскресенье. И за меня грехи отмаливает.

- Какие же грехи, если Вы из квартиры не выходите? Музыка - грех?

- Музыка - нет. Ну, понервничал. Раздражился. Грубо кому-то ответил. Хотя во всём судьба ведёт.

- Судьба? И не рыпаться самому?

- Не могу давать рецептов. Я никогда никуда не пробивался. На меня никто не давил, не ущемлял. Тьфу-тьфу, не сглазить... Всё само собой выходило. А как начинаю дёргаться, так обязательно всё разваливается. Или иной музыкант болезненно воспринимает критическое слово в свой адрес. А мне глубоко безразлично.

- Представляете, сколько композиторов было за эти годы? А кто известен? По пальцам пересчитать. Вам повезло.

- Я вот знаю тех, о которых сейчас едва ли кто помнит, но пройдут годы, о них заговорят. Жили в ужасающей бедности. Писали в стол симфонии, кантаты.

- А у Вас фильмы - половина творчества.

- Да сейчас уж больше, наверное. Меня же Мурадели в кино привёл. Фильм снимали в Одессе - "Мечте навстречу". Уж не помню, Марс и любовная история какая-то. В общем, понадобилась им электроника. А никто этого сделать тогда не мог. Вот Мурадели и сказали: сидит тут один в музее Скрябина. Так он пригласил меня в соавторы. По-честному: даже в титрах стоял.

- А с Михалковым легко работалось?

- Он всегда знает, чего хочет. С "Сибирским цирюльником" проблем не было (это, кстати, моя самая крупная работа в кино), а вот в "Утомлённых солнцем" я не сразу правильно прописал тему командира Котова. Он как бы из народа, надо было постараться, а то Михалков критиковал: "Что-то у тебя слишком сложно здесь".

- Вы столько лет писали "Преступление и наказание"... А фильм с Тараторкиным в главной роли помните?

- А как же! Хороший. Вообще снят без музыки. Ни одной ноты. Лишь стучат ворота.

- Как же это Кончаловский столько лет ждал заказа?

- Да не важно время! Важен результат! Представьте себе фигуру Достоевского! Хотелось бы его примерно также подать! Хотя это невозможно. (Он зачарованно водит глазами по сторонам). Но должен сказать, - всё в искусстве идёт к мистериям. Действам, вооружённым колоссальной технической мощью, способным потрясать людей и управлять их сознанием... Хочу взяться за такую... Это всё Скрябина идеи, но он своё время опередил лет на 150: техника не позволяла. А сейчас пора. Не будет сцены и зрительного зала. Но тотальное соучастие всех во всём...

... В этот момент композитора лучше оставить. Я уже выбрался из звукоизоляционного мешка, а он всё сидит там, в грёзах о тайном знании.
__________
Смирницкий Я. Материал сайта www.mk.ru.

3 декабря, ровно 100 лет назад, Александр Николаевич Скрябин окончательно завершил "Поэму экстаза".
Комментируя письмо Скрябина Н. В. Арцыбушеву с сообщением о новых изменениях в инструментовке и о переделке большого раздела партитуры, А. В. Кашперов подчёркивал: "Истинной причиной этих "затяжек" было строгое сознание ответственности художника за свои произведения, за безупречность их отделки. Недаром такой тончайший мастер и знаток композиторской техники, как А. К. Лядов по чистоте композиторского письма ставил Скрябина рядом с Моцартом и Бахом".
__________
Бэлза И. Ф. Александр Николаевич Скрябин. М., 1987, с. 120.

Митрофан Петрович Беляев, а также мастера корсаковской школы, на мнение и авторитет которых неизменно опирался Александр Николаевич Скрябин, стремились не только материально обеспечить молодого композитора, но и морально поддержать его в нужный момент. Что интересно, делали они это подчас не называя своего имени.
Так, 7 декабря, ровно 110 лет назад, В. В. Стасов, с присущей ему чуткостью высоко оценивший дарование Скрябина, при первом же знакомстве с его творчеством, писал ему: "Многоуважаемый Александр Николаевич, у меня есть до Вас одно очень важное дело. Вам присуждена премия в 1000 рублей за разные Ваши сочинения музыкальные, но кто присудил, - того не знаю. Это какой-то таинственный любитель Русской музыкальной школы, который желает оставаться неизвестным, но с 1884 года действует через меня, и я всякий раз передаю известные суммы, намеченные им русским композиторам. Это совершается всякий год 27-го ноября (по нов. ст. 7 декабря - И. Д.) - Глинкинский день, так как 27-го ноября даны в первый раз и "Жизнь за царя", и "Руслан и Людмила". Мои сношения с Неизвестным [осуществляются] через петербургскую Post restante. Теперь, во исполнение присуждения нынешнего года, обращаюсь к Вам с просьбой сказать мне: "Угодно ли Вам принять эту премию или нет?".
Только после смерти М. П. Беляева в 1903 году выяснилось, что "таинственным любителем Русской музыкальной школы" был именно он.
__________
Бэлза И. Ф. Александр Николаевич Скрябин. М., 1987, с. 59.

Сегодня, 10 декабря, исполняется ровно 20 лет со дня смерти Яши Хейфеца - американского скрипача и педагога.
... В последние 15 лет жизни Хейфец был человеком одиноким и нелюдимым. Он не любил появляться в общественных местах, у него было всего несколько близких друзей. Он не был религиозен и отмечал всего лишь один еврейский праздник в году - Йом-Киппур. В этот день он постился, а вечером обедал у самых близких друзей. Как выходец из России, он любил икру, куриные котлеты, селёдку и суп, и был, между прочим, любитель выпить тоже. Хотя умел вовремя остановиться и не пьянеть. У Хейфеца было два любимых тоста: первый "За всеобщее непонимание" и второй - "За комнату без углов". Он говорил по-русски и читал русскую литературу.
Он иногда удивлялся, почему люди собираются вместе, если никто никогда не прислушивается к тому, что говорят другие, а, наоборот, стараются вставить своё словечко. По утверждению Хейфеца, он проверил эту теорию таким образом. На вопрос "Как поживаете?" ("How are you?") он часто говорил: "Мне всё противно, и моя тётка только что умерла", и, к большому своему удовольствию, слышал в ответ: "Это хорошо".
В 1981-м году Яша Хейфец прекратил преподавание в университете, хотя продолжал давать уроки у себя дома. Он умер 10-го декабря 1987-го года от инсульта. В своём завещании он просил: "... Никакой похоронной церемонии, никаких цветов (белых или иных), никаких речей и минимум расходов". Он хотел, чтобы его кремировали и развеяли пепел над Тихим океаном, возле его дома в Малибу. Родные Хейфеца выполнили эти пожелания.
У Хейфеца было две скрипки - Гварнери и Тонони. Скрипку Гварнери он завещал музею в Сан-Франциско с примечанием о том, что на этой скрипке могут играть только "достойные исполнители" и только в помещении самого музея.
Компаньонка Хейфеца Эйки Эгус не могла смириться с тем, что он был похоронен без должной церемонии, и через 4 года, 2-го февраля 1992-го года, в день рождения Хейфеца, организовала синагогальную службу в память о своём учителе.
Мы же будем помнить Яшу Хейфеца как великого музыканта и педагога. Когда-то Фриц Крейслер, в присутствии других выдающихся скрипачей услышав игру юного Хейфеца, воскликнул: "Что ж господа, не пора ли нам сломать об колено наши скрипки?" К счастью, никто скрипок не ломал, поэтому мы имеем сейчас Перльмана, Цукермана, Венгерова и многих, многих других.
__________
Сагаловский Н. Материал сайта www.sem40.ru.

12 декабря, ровно 140 лет назад, по приглашению руководства Русского музыкального общества на гастроли в Россию в последний раз приехал Гектор Берлиоз.
Его первый концерт в Москве, состоявшийся в грандиозном помещении Экзерциргауза (Манежа), собрал более 10.000 слушателей. Публика в зале представляла почти все слои общества. Были даже крестьяне - бывшие крепостные музыканты князя Голицына. И это неудивительно: ведь билеты стоили от 3 рублей до 20 копеек.
На следующий день в Консерватории давался торжественный обед в честь французского композитора. Собравшиеся восторженно приветствовали Берлиоза. После выступлений А. Г. Рубинштейна и В. Ф. Одоевского, слово взял Пётр Ильич Чайковский, высоко оценивший заслуги французского музыканта.
"Я бы хотел только объяснить вам, - говорил Чайковский, - как важен для Консерватории самый факт его пребывания между нами... Ту мощь, то высокое техническое совершенство, которым отличаются сочинения Берлиоза, он почерпнул из тщательного изучения музыкального искусства, из анализа творений предшествующих ему великих художников. Прежде создания своих высоких произведений, он умел преклоняться перед чужими. Чтобы сделаться великим, он умел быть смиренным... Я предлагаю украсить одну из стен этой залы портретом Гектора Берлиоза. Пусть наша Консерватория возьмёт себе девизом имя Берлиоза, а это прекрасное имя значит: скромность, труд, гений".
Восторженный приём публики, тёплое отношение музыкантов и видных деятелей искусства - В. В. Стасова в Петербурге и В. Ф. Одоевского в Москве - вдохновили и поддержали французского композитора. Из Парижа он впоследствии писал Владимиру Фёдоровичу: "Я совершенно сражён болезнью и не знаю, как ещё живу. Только Вы и Стасов поддерживаете меня тем, что вы для меня делаете, потому что вы не забываете меня. Я стольким обязан вам лично..." В другом же письме он говорил о том, что "через пять или десять лет русская музыка завоюет все оперные сцены и концертные залы Европы. Всё, что я видел и слышал в России, произвело на меня большое впечатление, я глубоко ценю вашу молодую школу, которая, бесспорно, займёт одно из первых мест..."
Предвидение Берлиоза сбылось. И одним из первых российских композиторов, чья музыка прозвучала в Европе - на оперной сцене и в концертных залах, - стал Чайковский, столь горячо приветствовавший его в Москве.
__________
Сидельников Л. С. Пётр Ильич Чайковский. М., 1992, с. 115-117.

13 декабря, ровно 60 лет назад, в Большом зале ленинградской филармонии под управлением дирижёра Е. М. Мравинского впервые прозвучала Третья симфония Арама Ильича Хачатуряна.
Это масштабное произведение, написанное в честь ознаменования окончания Второй мировой войны, своеобразным образом воскрешает традиции героико-патетического симфонизма Бетховена и Берлиоза, вызывая ассоциации с их грандиозными музыкальными полотнами. Третья симфония как бы предназначена для исполнения на улице, площади, перед многотысячной аудиторией. Голос композитора в ней словно обращён ко всему человечеству. Здесь всё приподнято и предстаёт в гиперболизированных масштабах: тройной состав оркестра с 15 трубами и органом, обилие мощных fortissimo, многозвучных tutti. К этому произведению полностью могут быть отнесены слова самого композитора: "У меня громкая манера разговаривать в музыке".
__________
Тигранов Г. Г. Арам Ильич Хачатурян. М., 1987, с. 71.

Родион Щедрин празднует юбилей

Родиону Щедрину - 75. Его произведения звучат со сцен крупнейших филармоний и в известных кинофильмах. Каждое сочинение для автора как экзамен: есть только цель, время и чистый лист.

Щедрин уже давно "человек-легенда". Руководил Союзом композиторов, при этом не следовал единой тональности советской эпохи. Был знаком с Шостаковичем, а лучшие произведения посвящает свой музе - Майе Плисецкой.

Корреспондент НТВ Дмитрий Новиков - о классике, которому удается вести жизнь востребованной европейской знаменитости.

Сотни произведений композитора Родиона Щедрина - от вокально-симфонических до опер и балетов. За все годы творчества он так и не присоединился ни к одному из музыкальных направлений. Что касается музыки, то Родион Щедрин ни в чем себя не ограничивает.

Родион Щедрин, композитор, пианист, народный артист СССР: "Живой классик. Я больше всего радуюсь слову "живой", хотя классик - это приятное слово, но все-таки "живой" еще более приятное".

Несколько дней в Москве на своих концертах. Ни шага без воспоминаний.

Родион Щедрин: "В 54-м был первый фортепианный концерт, в 68-м - первая симфония".

Еще пара секунд - нарастающие аплодисменты. Они входят в зал. Свою супругу, балерину Майю Плисецкую, Родион Щедрин пропускает вперед. Ему 75, и полвека они вместе.

Майя Плесецкая, балерина, народная артистка СССР: "Это совершенно патриотический юбилей. Как все устроили, сколько выступлений, сколько артистов, сколько участников и какие. Лучшие, что есть".

А лучшее он написал для нее. Главные партии в балете. Такое вот объяснение в любви.

Они в Москве давно уже редкие гости. Хотя и считают Россию родным домом, все больше живут и работают за ее пределами. Родиону Щедрину лучше пишется в Мюнхене.

Корреспондент: "А трудно жить двумя городами, между Мюнхеном и Москвой?"

Родион Щедрин: "Вы знаете, мы живем в основном в воздухе, потому что летаем все время".

И теперь не разберешь, кто кого больше вдохновляет: Майя Михайловна Родиона Константиновича или наоборот. Он о Плисецкой: "Для меня честь быть ее рыцарем", а она о нем: "Люблю его, и всe. Это всегда". Даже на редких кадрах кинохроники они вместе.

По поводу рождения музыки Родион Щедрин и сейчас отшучивается.

Родион Щедрин: "Музыка-то рождается все-таки не в пальцах, а в черепной коробке, в ушах, в верхней части тела".

Коллеги-композиторы про него говорят: обогатил выразительные возможности музыки, создал новый тип вокально-инструментального произведения. А он, лауреат Ленинской и Госпремии СССР, член-корреспондент Баварской академии изящных искусств на достигнутом не останавливается.

Родион Щедрин: "Древние говорили: первое - познай самого себя. Вы себя познали? Я - нет. Ну, что ж делать. Будем жить дальше".

Дмитрий Новиков
НТВ

Сегодня, 17 декабря, исполняется ровно 60 лет со дня рождения Захара Нухимовича Брона - скрипача и педагога, почётного профессора Новосибирской Государственной Консерватории им. М. И. Глинки.
В Новосибирской Консерватории Брон начал работать в 1974 году (с 1976 - доцентом, с 1985 - профессором). В 1980 году организовал Камерный оркестр НГК, а в 1999 - возглавлавил кафедру струнных инструментов НГК.
В его репертуаре более 250 произведений, среди которых концерты И. С. Баха, И. Гайдна, В. А. Моцарта, Л. ван Бетховена, И. Брамса, П. И. Чайковского, Ф. Мендельсона, Г. Венявского, Д. Д. Шостаковича, Н. Паганини, К. Шимановского, И. Ф. Стравинского, Э. Шоссона; сонаты для скрипки и фортепиано И. С. Баха, Л. ван Бетховена, И. Брамса, С. Франка, А. Онеггера, Н. К. Метнера; такие виртуозные сочинения, как "Кампанелла", "Пляска ведьм" и "Вечное движение" Н. Паганини, этюд №6 Г. В. Эрнста, "Хаванез" и "Рондо-каприччиозо" К. Сен-Санса, "Цыганка" М. Равеля, сонаты №№2, 3, 4, 6 Э. Эзаи, соната для скрипки соло Б. Бартока и т.д. Ему также принадлежат первые интерпретации произведений сибирских композиторов А. Ф. Мурова и И. Д. Бершадского, многих камерных сочинений Ю. П. Юкечева (композитор посвятил Брону Сонату для скрипки соло).
Брон - организатор трёх Международных конкурсов скрипачей (1995, 1998, 2001) и постоянный участник фестивалей скрипичной музыки (1999, 2001 и 2002) в Новосибирске. Член жюри многих международных конкурсов, в т.ч. XII и XIII Международных конкурсов им. П. И. Чайковского (2002 и 2007).
Среди его учеников - лауреаты международных конкурсов В. Репин, М. Кузина-Койфман, А. Андреев, Д. Томбасов, И. Коновалов, М. Венгеров, Н. Прищипенко, В. Скляревский (все из Новосибирска), Н. Мадоев (Россия), К. Маюко (Япония), Т. Кавакубо (Япония-США), Н. Кеккерт (Германия), М. Овруцкий (Россия-США) и пр.

Захар Брон со своей ученицей Камио Маюко - обладательницей первой премии по специальности "скрипка" на XIII Международном конкурсе им. П. И. Чайковского

Сегодня, 18 декабря, исполняется ровно 30 лет со дня смерти Якова Владимировича Флиера - советского пианиста и педагога. Репертуар Флиера включал произведения различных фортепианных стилей. Его наивысшие творческие достижения были связаны с исполнением сочинений Ф. Листа, Ф. Шопена, Р. Шумана, С. В. Рахманинова. Игра Флиера - романтического склада, отличалась яркой темпераментностью, лиризмом, виртуозным размахом. Среди его учеников - Л. Н. Власенко, М. В. Плетнёв, В. В. Постникова, Д. Е. Рацер, Р. К. Щедрин.

В одном из интервью сын Якова Владимировича - известный ученый, доктор философских наук, руководитель Высшей школы культурологии Андрей Яковлевич Флиер поделился неизвестными фактами и интересными подробностями из жизни своего отца.

- Андрей Яковлевич, расскажите, каким Яков Владимирович был в повседневной жизни?

- Я помню его как очень уравновешенного и дружелюбного человека. Он никогда не повышал голоса, все возникающие проблемы решал в спокойной беседе. Но это не означает, что он не обладал своей точкой зрения; он был очень принципиальным человеком, но не считал нужным всем рассказывать о своих взглядах. Наш дом всегда был полон друзей, а фортепианный класс отца, можно сказать, был частью нашей семьи. Его ученики и жили, и занимались у нас дома.

- А c вами он занимался музыкой?

- Нет. Это пример принципиальности отца. Он считал, что заниматься нужно с теми, кто с раннего детства проявляет выдающиеся способности. А я не показывал никаких талантов в художественной области. Поэтому у меня нет даже начального музыкального образования. Лет в 15-16 я стал об этом жалеть, но было уже поздно.

- Яков Владимирович был строгим отцом?

- Нет. Он никогда не давил, не настаивал, а лишь советовал. Например, он обратил мое внимание на произведения Метерлинка и Гамсуна. Зная мои интересы, он предлагал мне те вещи, которые могли мне понравиться. Хотя сам он символизмом не увлекался. Безусловно, он знал и интересовался различными направлениями, читал современную поэзию, но идеалом для него был Пушкин и любил его больше всего. В некотором смысле он походил на великого поэта той же необъятной открытостью ко всему. Пушкин – это человек всего.

- И все же какая музыка была приоритетной для отца?

- Он знал очень много музыки, играл и современные произведения, но не часто. Все-таки его интересы были сосредоточены на композиторах-романтиках – Рахманинове, Чайковском, Листе, Шопене, Шумане, ну и, конечно, на классиках, Моцарте, Бетховене. У него была довольно большая фонотека. Но слушать отец любил больше всего вокал. В том числе и джазовый.

- А в жизни он тоже был романтиком?

- Пожалуй, нет. Он был человеком очень гармоничным. Как тип личности он представлялся мне Пушкиным в зрелые годы (насколько я его могу представить по сохранившимся документам и его творчеству). А любовь к романтической музыке осталась у него с юных лет.

- Существовало ли какое-то соперничество между вашим отцом и такими известными пианистами как Нейгауз, Гилельс, Рихтер, которые в это же время работали вместе с ним?

- Безусловно, нет. Это были музыканты такого высокого уровня, что понимали, каждый из них – это уникум. Отец общался и с выдающимися зарубежными музыкантами – с Артуром Рубинштейном, Леонардом Бернстайном, Бенедетти Микельанджело. Но и здесь понимание значимости каждого господствовало во взаимоотношениях.

- Я знаю, что Яков Владимирович увлекался футболом? С кем-то из спортсменов он дружил?

- Ну, не то чтобы близко дружил, но был в приятельских отношениях с Львом Яшиным и Всеволодом Блинковым. У нас дома бывал шахматист Смыслов. Часто бывая в Латвии, отец общался там с Михаилом Талем.

- Как вы думаете, где сегодня продолжаются исполнительские традиции школы Флиера?

- В Московской консерватории о Флиере забыли, там не осталось его последователей. Многие его ученики теперь работают за рубежом в знаменитой Джульярдской школе. С моей субъективной точки зрения, наиболее последовательными в исполнении традиций отца стали Виктория Постникова и Владимир Фельцман. Когда они играют, я действительно слышу, что это ученики отца, они приближаются к манере исполнения, характерной для отца. Рояль у них поет, в их интерпретациях я слышу интонации человеческого голоса.
__________
Ключникова Е. Материал сайта www.classicmusic.ru.

1857 год был довольно удачным для 19-летнего Жоржа Бизе. Именно в этом году, окончив Парижскую консерваторию, он принял участие в конкурсе на сочинение оперетты "Доктор Миракль", объявленном Жаком Оффенбахом, разделив в итоге первую премию с Шарлем Лекоком. Спустя некоторое время последовал ещё один успех: за кантату "Кловис и Клотильда" Бизе получил Большую римскую премию.
А 21 декабря, ровно 150 лет назад, молодой французский композитор выехал в Рим на виллу Медичи. Именно там у него родился замысел таких крупных произведений, как симфония-ода "Улисс и Цирцея", опер "Нюрнбергский бочар", "Улисс", "Дон Кихот" и "Эсмеральда". Учитывая все благоприятные обстоятельства своего пребывания в Риме, Бизе, вместо запланированной поездки в Германию, вскоре получил разрешение остаться в Италии ещё на один год.

Сегодня, 22 декабря, исполняется ровно 1 год со дня смерти Галины Ивановны Уствольской - советского и российского композитора, автора таких произведений, как 5 симфоний (1955 - 90); концерт для фортепиано с оркестром (1946); октет (1950), 3 "Композиции" для различных инструментальных составов (1971 - 75); 6 сонат и 12 прелюдий для фортепиано.

На исходе 2006 года российская музыка понесла тяжёлую утрату: на 88-м году жизни скончалась Галина Уствольская - один из наиболее удивительных и ни на кого не похожих композиторов ХХ столетия. Говоря об Уствольской, обычно упоминают также о Шостаковиче - её учителе, хотя их отношения были крайне непростыми. В свое время Шостакович писал Галине Ивановне: "Не ты находишься под моим влиянием, а я под твоим", цитировал её темы в своих сочинениях и даже хотел на ней жениться. Однако Уствольская не вышла замуж за Шостаковича, а позже сожгла все его письма; она не раз говорила, что не считает себя его последовательницей.
Хотя в ранних сочинениях Уствольской (Фортепианном концерте, Трио, Октете) влияние Шостаковича всё же можно услышать, их язык совершенно особый. Так, Октет для двух гобоев, четырех скрипок, литавр и фортепиано (написан в 1950 году, два года назад исполнялся на московском фестивале "Возвращение") сама Уствольская справедливо называла "музыкой настолько безусловной, что год её написания мог быть любым". Каталог её произведений насчитывает лишь 25 сочинений: Уствольская не включила в список ряд опусов, вызывавших у неё хотя бы минимальные сомнения. "Моя манера окончания работы очень существенно отличается от манеры других композиторов. Я пишу тогда, когда угадываю милостивое состояние. После этого сочинение некоторое время отдыхает, и когда приходит его пора, я даю ему свободу. (Так, Дуэт для скрипки и фортепиано "отдыхал" в течение десяти лет. - И. О.) Если же его время не приходит, я его уничтожаю".
Уствольской принадлежат пять симфоний, однако, за исключением первой, они ещё дальше отошли от привычной трактовки жанра, нежели "Антисимфония" Альфреда Шнитке или симфонии-пятиминутки Дариуса Мийо. Так, в Четвертой симфонии участвуют труба, фортепиано, там-там и контральто, в Пятой - гобой, труба, туба, скрипка, ударные и чтец. При этом Уствольская была против того, чтобы называть её сочинения камерными - будь то симфонии для подобных составов или даже фортепианные сонаты. Её уникальные сочетания инструментов (так, Композиция №1 написана для флейты-пикколо, тубы и фортепиано, Композиция №2 - для фортепиано, деревянного куба и восьми контрабасов) рождают музыку, определений для которой пока не нашлось. Вот что говорила о ней сама Галина Ивановна: "Моя музыка духовна, но не религиозна". "У меня нет симфонической музыки... но есть симфонии". "Лучше ничего не писать о моей музыке, чем отделаться сиюминутными впечатлениями... у меня есть моё творчество, моя музыка, только моя!"
Среди постоянных исполнителей сочинений Уствольской - Мстислав Ростропович, Алексей Любимов, Иван Соколов, Генрих Шифф, Сергей Лейферкус, Райнберт де Леу, однако её музыка ещё ожидает своего времени. На сегодняшний день, по крайней мере, за границей Уствольскую ценят куда выше, нежели в России; известие о смерти композитора появилось на русскоязычных новостных сайтах с трёхдневным опозданием, со ссылкой на зарубежные сайты, первыми сообщившие о происшедшем. В девяностые годы в Европе прошёл целый ряд мероприятий, посвящённых музыке Уствольской: в Амстердаме в 1996-м, в Вене и Париже в 1998-м.
__________
Овчинников И. Материал сайта www.russ.ru.

Сегодня, 23 декабря, исполняется ровно 80 лет со дня рождения Александра Филипповича Ведерникова - советского и российского певца (бас). Среди его партий: Сусанин ("Иван Сусанин" Глинки), Мельник ("Русалка" Даргомыжского), Борис Годунов ("Борис Годунов" Мусоргского), Кончак ("Князь Игорь" Бородина). Ведерников является первым исполнителем партии баса в "Патетической оратории" Г. В. Свиридова, его же "Петербургских песен" и вокальных циклов на слова Р. Бёрнса и А. С. Исаакяна.

Сегодня в 17.05 на телеканале "Культура" смотрите документальный фильм "Золотой бас России", посвящённый жизни и творчеству певца.